Estrenos, piezas contemporáneas y homenaje a Pedro Ignacio Calderón, por la Orquesta Sinfónica Nacional
Bajo la dirección de Emmanuel Siffert, la Orquesta Sinfónica Nacional ofrece un concierto especial en el Auditorio Nacional.
El repertorio incluye estrenos de dos compositores argentinos, Eva García Fernández y Alex Nante. El programa se completa con Estallido lunar, de David Gompper, y, para el gran final, La consagración de la primavera, de Stravinsky.
En la velada, el hijo del director Pedro Ignacio Calderón (1933-2026), Esteban Calderón, dará el presente para participar de un homenaje a su padre.
La soprano Jaquelina Livieri participa como solista invitada.
El concierto será transmitido en vivo por nuestra radio online.
Programa
Eva García Fernández
Imagen-Tiempo, para orquesta (Estreno argentino)
David Gompper
Estallido lunar
Alex Nante
A Subtle Chain (Una cadena sutil) (Estreno argentino)
Solista: Jaquelina Livieri, soprano
Igor Stravinsky
La consagración de la primavera, K 015 (1913)
Primera parte: Adoración de la tierra
I. Introduction - Introducción
II. Les augures printaniers (Danses des adolescentes) - Augurios primaverales (Danza de las adolescentes)
III. Jeu du rapt - Juego del rapto
IV. Rondes printanières - Rondas primaverales
V. Jeux des cités rivales - Juego de las tribus rivales
VI. Cortège du Sage - Cortejo del sabio
VII. Adoration de la terre (Le Sage) - Adoración de la tierra (El sabio)
VIII. Danse de la terre - Danza de la tierra
Segunda parte: El sacrificio
I. Introduction - Introducción
II. Cercles mystérieux des adolescentes - Círculos misteriosos de las adolescentes
III. Glorification de l'Élue - Glorificación de la elegida
IV. Evocation des ancêtres - Evocación de los antepasados
V. Action rituelle des ancêtres - Acción ritual de los antepasados
VI. Danse sacrale (L'Élue) - Danza sagrada (La elegida)
Reserva de entradas
La actividad es gratuita y requiere entradas. La reserva previa se podrá gestionar de manera virtual en esta publicación a partir de dos días antes del día de la actividad correspondiente, a las 14 h, hasta agotar el cupo disponible. Podrán solicitarse hasta dos entradas por persona (inclusive menores de edad, que en todos los casos deberán ingresar en compañía de un adulto). Cuando el cupo para la actividad se alcance quedará deshabilitada la opción de completar el formulario.
Completado el formulario, el público deberá presentarse el día de la actividad, a partir de las 14 h y hasta el horario de inicio de la función, en la boletería (mostradores de planta baja), para retirar las entradas físicas con las cuales acceder a la sala.
Por otra parte, habrá un cupo de entradas que se entregarán de modo presencial en la boletería, el mismo día de la actividad desde las 14 h. Estas entradas se habilitan hasta agotar la capacidad de la sala.
Por consultas sobre entradas e ingresos, escribir a: [email protected]
Acerca de las obras del programa
Eva García Fernández: Imagen-tiempo (estreno argentino)
Compositora, saxofonista y docente argentina, Eva García Fernández es la autora de Imagen-tiempo, obra para orquesta ganadora del Primer Premio del Concurso de Compositoras Latinoamericanas organizado por la Orquesta Sinfónica del Estado de Sao Paulo, y estrenada en el marco de un concierto de ese elenco en abril del 2024, con dirección de Alexander Liebreich.
En palabras de la autora, “Imagen-tiempo es una búsqueda y experimentación en relación al tiempo, que parte del concepto imagen-tiempo del filósofo Gilles Deleuze y, al mismo tiempo, reflexiona en las configuraciones temporales que surgen del scroll. La obra aborda la superposición de diferentes métricas y la relación no cronológica de los materiales con la idea de transmitir el devenir del tiempo en cuanto flujo continuo de presentes que se despliegan en una multiplicidad de posibilidades. Es decir, una obra en donde el presente no se sucede al pasado, sino que coexiste con él, y el futuro no es una consecuencia necesaria del presente, sino que se presenta como una posibilidad abierta.[...] La obra presenta diversos materiales disímiles entre sí, sin relación cronológica aparente y, al mismo tiempo, establece relaciones intertextuales con otras músicas, pero las citas no son explícitas, sino que dialoga con los residuos que esas músicas dejaron en la memoria de la compositora, es decir que provienen de un pasado o de un otro virtual; por lo cual la relación se establece con pseudocitas y mistificaciones que actúan como fantasmas. Entre ellos, podemos encontrar elementos texturales que hacen referencia a Grisey y Stravinsky, elementos rítmicos vinculados a Ligeti y la música africana y elementos melódicos propios del jazz”.
David Gompper: Estallido lunar
La trayectoria de David Gompper comprende una extensa actividad como pianista, director de orquesta y compositor en Nueva York, San Diego, Londres, Nigeria, Michigan, Texas e Iowa. Su obra Moonburst (Estallido lunar, 2018) pertenecen a una serie de tres piezas para orquesta que se completa con Sunburst (Estallido solar) y Starburst (Estallido estelar).
Moonburst refleja las imágenes cambiantes de la noche: en el insomnio, una brisa calma y suave hace susurrar hojas y ramas; el vuelo silencioso de los búhos bajo una luna llena que desborda de luz lechosa; los cantos de apareamiento finales, lejanos pero sostenidos, de las cigarras, todo ello envolviendo a una mente que reflexiona sobre el tiempo pasado. Dice Gompper: “Compuse este movimiento por capas, comenzando con una lenta rotación de la matriz de Sunburst, escuchada de forma espacializada entre las cuerdas al inicio, que sirve de trasfondo y capta el espíritu de Sui Poemi Concentrici de [Salvatore] Sciarrino. Las primeras seis notas del primer movimiento de Pierrot lunaire de Schoenberg (‘Mondestrunken’) aparecen luego en el arpa, seguidas poco después por la melodía principal de Clair de lune de Debussy (presente a lo largo de toda la obra en los vientos y metales). […] todas estas ideas terminan por fundirse en un mashup que ya no admite cita textual. Se han fusionado de manera ineludible, y todos sus elementos surgen ahora de un lenguaje melódico y armónico unificado. La composición, de nueve minutos de duración, se divide aproximadamente en tres secciones desiguales, siendo la sección central la más estática rítmicamente y la más sostenida armónicamente, a través de ondas estacionarias y multifónicos presentes en oboes y fagotes”. La obra fue estrenada por Emmanuel Siffert el 27 de julio de 2018 al frente de la Sinfónica de San Juan, y nuevamente interpretada por el maestro suizo junto a la Royal Philharmonic Orchestra en enero de 2019.
Alex Nante: A subtle chain (estreno argentino)
Alex Nante (Buenos Aires, 1992) es uno de los compositores argentinos jóvenes de mayor trascendencia internacional. Su obra A subtle chain (2022-2023) es un ciclo de cinco canciones para soprano y orquesta sobre poemas del filósofo trascendentalista estadounidense Ralph Waldo Emerson (1803-1882), y surgió como encargo del Pisar Prize (del que fue ganador), en colaboración con el Théâtre des Champs-Elysées, la Juilliard School y la Villa Albertine. Dedicada a Judith Pisar, tuvo su estreno mundial en abril del 2024 en la mencionada sala parisina, a cargo de la recordada soprano Jodie Devos y la orquesta Les Siècles dirigida por François Xavier Roth.
Dice Nante acerca de su obra: “Ciertos elementos poéticos y aspectos del pensamiento emersoniano inspiran el discurso de la obra, como la naturaleza divina del universo y la evolución del alma (III-Naturaleza), la omnipresencia de la música en la vida (II-Música 1 y IV-Música 2) y el concepto de un Dios omnipotente que abarca todos los opuestos (I-Brahma). Pero, sobre todo, Una cadena sutil es un homenaje a la musicalidad inherente a la poesía de Emerson, una música que se abre al misterio y a lo inefable”.
Igor Stravinsky: La consagración de la primavera
El 29 de mayo de 1913, el Teatro de Champs-Élysées de París presenció un escándalo que marcaría un hito en el arte del siglo. Esa noche, los Ballets Russes, la compañía creada por sergei Diaghilev para dar a conocer a Occidente las maravillas de la música, la danza y las artes visuales de Rusia, presentó una nueva obra: La consagración de la primavera, un ballet en dos partes con el que buscaba mostrar los rituales de la Rusia pre-cristiana, con argumento, vestuario y escenografía de Nikolai Roerich, un especialista en la materia, coreografía de Vaslav Nijinsky y música de Igor Stravinsky, el joven músico que había asombrado con sus anteriores creaciones para la compañía: El pájaro de fuego y Petrushka. Las reacciones de los espectadores a una coreografía inédita incluyeron gritos, risas, aullidos y hasta golpes de puño. La obra cosechó un escándalo, algo que Diaghilev, astuto empresario, no solo no temía, sino que sabía capitalizar.
La fuente de inspiración para sus creadores fueron las fuerzas de la naturaleza, las imágenes gráficas y sonoras de una Rusia remota en tiempo y espacio. El argumento es simple (en una tribu, una doncella es elegida y ofrecida en sacrificio para propiciar la llegada de la primavera y la renovación de la naturaleza), pero su realización resultó absolutamente revolucionaria, en especial en lo musical. Stravinsky llevó más allá de todo lo conocido los conceptos constitutivos de la música: melodía, armonía y ritmo. El comienzo, con una melodía de inspiración folklórica a cargo del fagot en su registro agudo, se va complejizando con la suma del resto de las maderas hasta desembocar en una danza obsesiva y caótica. El desafío rítmico establecido aquí por Stravinsky fue en su momento tan disruptivo que Diaghilev debió buscar ayuda para Nijinsky (Marie Rambert, experta en la rítmica Jacques-Dalcroze, lo asistió, y su testimonio y notas fueron, décadas más tarde, una de las fuentes usadas para reconstruir la coreografía). Las texturas de Stravinsky llevaron la densidad y la estratificación del sonido orquestal a una dimensión inédita, la armonía se desplegó en diversos centros tonales y toda la orquesta se transformó en una maquinaria percusiva y brutal. Al año siguiente de este escándalo inicial, La consagración de la primavera se volvió pieza de concierto, su reputación comenzó a cambiar y su influencia se hizo sentir no solo en los compositores de tradición académica sino en otros géneros. Hoy es imposible pensar la música del siglo XX sin aquel escándalo prodigioso.
Nacido en Suiza, Emmanuel Siffert realizó sus estudios de dirección con Horst Stein, Ralf Weikert, Jorma Panula y Carlo María Giulini. Estudió violín en Salzburgo, bajo la tutela de Sandor Végh, y fue violinista de la Camerata Académica de Salzburgo de 1989 a 1994.
En 2020 fue ganador del concurso internacional para la titularidad de la Orquesta de Cámara de Chile, conformada por dobles vientos, dobles metales, cuerdas y percusión, y única orquesta oficial del Ministerio de Cultura de ese país. Actualmente, se desempeña como director titular de la Orquesta de Cámara de Chile y como principal director invitado de la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina.
Colabora regularmente con las máximas instituciones culturales de Argentina, como el Teatro Colón (en el que dirigió una docena de producciones de ballet), la Universidad Católica Argentina de Buenos Aires (como profesor invitado para la clase de Dirección de Orquesta) y el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (como profesor invitado para la clase de Repertorio de Canto de Ópera).
Fue director titular de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes en México, la Orquesta Sinfónica de San Juan en Argentina, la European Chamber Opera de Londres, la Orquesta de Cámara Suiza, la Orquesta Sinfónica Aosta en Italia y la Orquesta Sinfónica Nacional de Ecuador.
Fue director principal invitado de la Orquesta de Conciertos de Gales y director huésped de numerosas formaciones en todo el mundo: la Philharmonia Orchestra, la Royal Philharmonic Orchestra, los London Mozart Players y la Ópera Nacional de Gales, en Reino Unido; la Orquesta Sinfónica de la Radio de Saarbrücken y la Filarmónica del Sudoeste Alemán de Constanza, en Alemania; la Filarmónica de Bucarest George Enescu, Rumania; la Orquesta Filarmónica de Johannesburgo, Sudáfrica; la Orquesta Filarmónica de Armenia; la Orquesta de la Ópera de Pilsen, República Checa; la Filarmónica de Gran Canaria, España; la Filarmónica Eslovena; la Filarmónica de Volgogrado, Rusia; la Filarmónica Lutoslawski de Wrocław y la Filarmónica Rubinstein de Lodz, en Polonia; la Orquesta Sinfónica de St . Gallen, la Orquesta de la Suiza Italiana de Lugano y la Orquesta Sinfónica de Berna, en Suiza; la Orquesta Mozart de Viena y la Orquesta Mozarteum de Salzburgo, en Austria; la Sinfónica de Bulgaria; la Filarmónica de la Ciudad de México y las Sinfónicas de Aguascalientes, Michoacán y Xalapa, en México; la Orquesta Sinfónica de El Cairo, Egipto; la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú; la Orquesta Sinfónica de Venezuela; la Filarmónica de Chile; la Orquesta Sinfónica del Estado de Izmir, Turquía, y la Filarmónica de Montevideo, Uruguay.
Ha realizado grabaciones discográficas con diversas formaciones: la Orquesta Sinfónica Nacional de Sudáfrica (2000); la Orquesta de la Suiza Italiana (2005); la Orquesta Académica de la Alta Escuela de Música de Lausana (2015); la Orquesta Sinfónica de Bulgaria (2005); la Orquesta Filarmónica de Volgogrado (2005, 2006, 2007); la Royal Philharmonic Orchestra de Londres (2006, 2010, 2017); la Orquesta de Cámara de Suiza (2001, 2003, 2010); la Orchestra Sinfonica della Valle d’Aosta (2002, 2003, 2004, 2006); La Consorterie (1997), y la Orquesta de Cámara de Friburgo (1994). Además, ha realizado registros discográficos con la Orquesta Sinfónica Nacional de China y la Orquesta Sinfónica de Sofía, y radiofónicos con la Rundfunksinfonieorchester Saarbrücken, la Orchestra della Svizzera Italiana y la Orquesta de Cámara de Suiza.
En el ámbito operístico y del ballet, fue director asistente en producciones en St. Gallen, Avenches, Ginebra, Cagliari y Lyon, dirigió al Ballet Nacional Inglés y colaboró con el Royal Ballet Covent Garden, además de participar en proyectos con Opera Valle, Nuremberg, Moldavia y Lima. Por otra parte, fue director musical en la Wales International Academy of Voice (2012-2015) y ganador del premio al mejor director en el concurso Schweizerischen Tonkünstlerverein (1993, 1995).
Siffert imparte regularmente clases magistrales de dirección de orquesta. Ha sido invitado como profesor en importantes escuelas y conservatorios, entre los que destacan el Royal College of Music, en Londres, y el Conservatorio de Música de China, en Beijing. Además, dicta seminarios y dirige academias de ópera de verano en Europa y Latinoamérica, y es jefe artístico y director del proyecto Swiss Symphonic and Opera composers. Es creador del método de dirección orquestal conocido como Approach to conducting.
Soprano lírica de coloratura nacida en Rosario, Jaquelina Livieri egresó del Instituto Superior de Artes del Teatro Colón. Debutó a los dieciséis años en el teatro El Círculo de su ciudad natal.
Fue premiada en concursos como el Festival Internacional de Canto Lírico Ciudad de Trujillo (Perú), el Festival Internacional de Canto Lírico Laguna Mágica (Chile), el Concurso Internacional de Canto del Teatro Colón (Argentina), el Concurso Nacional de Canto Lírico Enrique R. Francovigh (Argentina) y la Competizione Dell’Opera de Linz (Austria).
Entre los papeles protagonistas que aborda, destacan Adina (L'elisir d'amore), Pamina (Die Zauberflöte), Oscar (Un ballo in maschera), Susanna (Le nozze di Figaro), Norina (Don Pasquale), Musetta (La Bohème), Nannetta (Falstaff), Sophie (Werther), Violetta (La Traviata), Lucia (Lucia di Lammermoor), Zerlina (Don Giovanni), Marzelline (Fidelio), Agnes (Written on skin), Gilda (Rigoletto), Liù (Turandot), Norina (Don Pasquale) y Comtesse Adèle (Le comte Ory).
Entre otros escenarios de América Latina, actuó en el Teatro Colón de Buenos Aires, la Ópera Nacional de Chile, el Palácio das Artes de Belo Horizonte y el Teatro Municipal de Sao Paulo (Brasil), el Teatro Solis (Uruguay), la Ópera de Colombia y el Gran Teatro Nacional de Perú. Fue dirigida por Evelino Pidó, Roberto Paternostro, Frederic Chaslin, Oliver von Dohnanyi, Francesco Ivan Ciampa, Ira Levin, Marc Piollet, Óliver Díaz y Joseph Colaneri, y de escena como Kasper Holten, Franco Zeffirelli, Davide Livermore, Hugo de Ana, Emilio Sagi y Marcelo Lombardero, etc.
En 2016 realizó un concierto junto a Erwin Schrott en el Festival de Ljubljana y en 2017 acompañó al gran tenor Josep Carreras en su gira de despedida. En España, hizo su debut en el Teatro Campoamor de Oviedo, interpretando el papel de Pamina en Die Zauberflöte, y más recientemente, actuó por primera vez en el Teatro Real de Madrid en Aida. Luego, se presentó en el Teatro Calderón de Valladolid con el rol de Micaela y luego Fiordiligi.
Durante 2023, realizó su debut en Reino Unido en la Welsh National Opera, con el rol protagonista de la ópera Ainadamar. También debutó el rol de Nedda, de Pagliacci, en la Ópera Nacional de Burgos. En 2024 se presentó en Italia, en el Teatro Comunale de Modena, Piacenza y Rimini, con el rol de Liù, y regresó al Teatro Colón también con Liù y Micaela. Además, realizó en China una nueva producción de Turandot en el Nanjing Forest Festival Music y una gala homenaje a Puccini junto con la Orquesta de Pekín.
Pedro Ignacio Calderón (1933-2026) fue una de las figuras más trascendentes de la música argentina y un nombre inseparable de la historia de la Orquesta Sinfónica Nacional. Durante más de seis décadas de trayectoria, realizó un aporte invaluable a la cultura de nuestro país. Al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional durante veintidós temporadas ininterrumpidas, dejó una huella artística imborrable, construyendo junto a este elenco algunos de los capítulos más memorables de su historia.
Director titular de la Sinfónica de la Universidad Nacional de Tucumán, la Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta Estable del Teatro Colón y, desde 1994, de la Orquesta Sinfónica Nacional, desarrolló además una destacada carrera internacional, dirigiendo importantes orquestas de América, Europa y Asia. Se formó en nuestro país con maestros como Alberto Ginastera (composición) y Vicente Scaramuzza (piano), y se perfeccionó en el exterior con Fernando Previtali (dirección orquestal). Fue asistente de Leonard Bernstein en la Filarmónica de Nueva York, luego de haber recibido el primer puesto en el certamen internacional “Dimitri Mitropoulos”.
Fue reconocido con numerosos premios, entre ellos dos Premios Konex, que distinguieron su extraordinaria labor como director de orquesta. Se desempeñó como director general y director artístico del Teatro Colón, e integró el directorio del Fondo Nacional de las Artes. Su legado también se evidencia en hitos de la actividad musical en nuestro país, como el estreno local de la Octava sinfonía de Mahler (1977) o el inolvidable concierto de Astor Piazzolla en el Teatro Colón, en 1983, bajo su dirección.
Conductor en la gira histórica de la Sinfónica Nacional a Japón (1998), su despedida como director titular con La Pasión según San Juan de Bach puso fin a una etapa tan significativa como inspiradora. Su nombre permanecerá para siempre en la memoria y en la historia de la Orquesta Sinfónica Nacional.
La Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) fue creada en 1948 como Orquesta Sinfónica del Estado, con el objetivo de promocionar a directores, compositores y ejecutantes argentinos y difundir los clásicos de la música en grandes y pequeños auditorios. Es un organismo dependiente de la Dirección Nacional de Elencos Estables de la Secretaría de Cultura de la Nación.
A lo largo de su historia, tuvo como directores titulares a Roberto Kinsky, Juan José Castro, Víctor Tevah, Simón Blech, Teodoro Fuchs, Juan Carlos Zorzi, Jacques Bodmer, Bruno D’Astoli, Jorge Rotter y Jorge Fontenla, y como invitados a Erich Kleiber, Georg Solti, Ernest Ansermet, Igor Markevitch, Hermann Scherchen, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, Antal Dorati, Malcolm Sargent, Hans Rosbaud, Jean Fournet, Igor Stravinsky, Heitor Villa-Lobos, Aram Katchaturian, Frank Martin, Pablo Casals, Zubin Metha y Charles Dutoit, entre otros. A partir de 2015, tras veintidós años ininterrumpidos como director titular, Pedro Ignacio Calderón es su director emérito.
La OSN se presentó en más de cincuenta ciudades del interior del país que en muchos casos carecían de organismos orquestales propios (Diamante, Entre Ríos; Bella Vista, Corrientes; Zapla, Jujuy; Santiago del Estero; La Rioja; Catamarca, Comodoro Rivadavia, Chubut; Las Heras, Caleta Olivia, Puerto San Julián, Santa Cruz; Roque Saenz Peña, Chaco, entre otras).
En 1991, llegó por primera vez a Europa, para actuar en las principales ciudades de España bajo la dirección de Simón Blech, con un repertorio íntegramente dedicado a autores americanos. Un año más tarde, se presentó en Chile, conducida por Juan Carlos Zorzi, y en Brasil, bajo la batuta de Blech, durante el Festival de Invierno de Giordão (San Pablo). Durante 1998, realizó una gira por Japón que incluyó una presentación en Tokio junto con la pianista Martha Argerich y un concierto en Los Ángeles (Estados Unidos). En la temporada 2000 fue distinguida como única representante de Latinoamérica en la XVI Edición del Festival de Canarias De los Cinco Continentes, donde se presentó junto con las más destacadas orquestas del mundo. En el marco de diversas acciones de contenido social desarrolladas a partir de 2004, participó del programa Música en las Fábricas, con multitudinarias presentaciones en ámbitos de la producción y el trabajo. Así, actuó por primera vez en Ushuaia, en la Cooperativa Renacer (ex Aurora), en los Talleres Ferroviarios de Tafí Viejo (Tucumán) y en el Barrio El Tambo de La Matanza.
En 2015, la OSN actuó en la velada musical inaugural del Auditorio Nacional del actual Palacio Libertad (ex CCK), sala en la que desde entonces desarrolla su ciclo principal de conciertos y donde ha realizado presentaciones con los más prestigiosos artistas nacionales e internacionales.
La OSN fue reconocida por la Asociación de Críticos Musicales como mejor orquesta argentina de las temporadas 1996, 2000 y 2002, galardonada con el diploma al mérito que otorga la Fundación Konex (1989, 1999 y 2019) y premiada con el Konex de Platino 2019 como mejor orquesta de la década.